J. S. Bach: La Pasión según San Juan, BWV 2458

Menos conocida que su hermana mayor, La Pasión según San Mateo, La Pasión según San Juan fue escrita en las fechas previas al Viernes Santo de 1724, basándose en los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan. Interpretándose por primera vez en 1724 en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig.

El hilo conductor de la Pasión según san Juan son los pasajes bíblico que tradicionalmente se lee el Viernes Santo, Juan 18 y 19. Jesús es apresado y llevado ante Caifás y Poncio Pilato, juzgado, crucificado y ejecutado. El pasaje bíblico es presentado por el tenor solista (el evangelista), y los distintos roles (Jesús, Pilatos, los discípulos y el pueblo) son asumidos por los demás cantores. En momentos clave, Bach agregó diversos himnos que son cantados e interpretados por todo el conjunto. Para las arias solistas, usó poesías de antologías populares de Pasión de Barthold Heinrich Brockes, Christian Weise y Christian Heinrich Postel. 

La historia de la Pasión tal como se cuenta en el Evangelio de Juan se diferencia notablemente de los otros tres evangelistas: Mateo, Lucas y Marcos. La versión de San Juan pone el énfasis en el origen divino de Cristo. A lo largo de su sufrimiento, este origen divino es fundamental en contraposición a la humanidad que desprenden los otros tres Evangelios. No tiene miedo, sabe lo que va a suceder, por lo que la crucifixión no será su fin. Esto es evidente en el coro inicial, donde se invoca a Cristo como "Herrscher dessen Ruhm in allen Landen herrlich ist" (Señor cuya fama es gloriosa en todas las tierras). Esto contrasta con el coro inicial de la Pasión según San Mateo , que trata sobre el cordero que es llevado al matadero.

Desde su estreno en 1724, Bach iría introduciendo modificaciones, alcanzando su actual estructura en 1749.

J.S. Bach: Suites para violonchelo

 

J.S. Bach

Six Suites for Solo Celo 

Pablo Casals vc 

(Clásicos de Warner)

 

Hoy en día hay cosas que nos pueden parecer increíbles, pero no hace tanto tiempo todo era muy diferente. Hace 50 años, se consideraba que las obras importantes de Johann Sebastian Bach eran tan especiales que las grabaciones solo podían obtenerse en edición limitada. 

 

 

Las suites para violonchelo nunca se habían grabado hasta que Fred Gaisberg, tras prolongados esfuerzos, finalmente convenció a Pau Casals para que las interpretara para HMV (His Master's Voice): Las Nos 2 y 3 en Londres en noviembre de 1936, el resto en París en julio de 1938 y julio de 1939. Casals, por su parte, había estado dudado durante 35 años antes de comprometerse a divulgar estas obras, consideradas durante mucho tiempo como imposibles de reproducir y nunca interpretadas en su totalidad, las cuales había descubierto a la edad de 13 años y en las que había estado trabajando durante 12 años antes de interpretarlas ante un público totalmente asombrado. Para ello, tuvo que desarrollar nuevas técnicas e intelectualmente profundizar en el carácter y la estructura interna de la música. Destacando la base dancística de los movimientos; y su vitalidad, flexibilidad rítmica y matiz tonal, así como el vigor y variedad de su arco. 

 

Estas interpretaciones, hoy en día, son la vara de medir con la que deben juzgarse todas las posteriores.

J.S. Bach: La Pasión según Sant Mateo, Dolor y Vulnerabilidad

Joh Elliot Gardiner
Monteverdi Choir,
English Baroque Soloists
James Gilchrist (Evangelista), Stephan Loges (Jesús), Kati Debretzeni, Hannah Morrison, Zoë Brookshaw, Charlotte Ashley, Reginald Mobley, Eleanor Minney, Hugo Hymas, Ashley Riches, Alex Ashworth, Jonathan Sells
Trinity Boys Choir

John Elliot Gardiner nos repite, en la presentación de esta grabación, que la gran habilidad de Bach como artista radica en su capacidad para escribir música con el poder supremo de consolar, y queda claro que esto es lo que ha buscado aquí. Su considerable experiencia le permite encontrarlo en una lectura cuidadosamente moldeada, ejecutada por expertos y profundamente comprometida, tan honestamente comunicativa de su intención y libre de toda monumentalidad, pretenciosidad y melodrama.  

Es una grabación de concierto en vivo, con todos los solistas excepto el Evangelista y Jesús extraídos de las filas del coro. Un formato actualmente inusual.

La grabación se realizó en la Catedral de Pisa en septiembre de 2016, pero sus cimientos se establecieron durante los seis meses anteriores en una gira de 15 ciudades que incluyó una actuación en Bruselas el día después de los ataques terroristas del 22 de marzo del 2016. Una experiencia traumática que parece haber unido a los músicos e intensificado su compromiso con la obra. Lo cual convierte esta Pasión según San Mateo en  memorable y conmovedora.

Sin embargo, lo que realmente lo hace especial es su integridad emocional, que proviene de un aire impregnado de profunda tristeza. Una tristeza nacida de dejarse llevar por el peso de los eventos que presencian y inundan el alma de los interpretes. Por todo ello estamos ante una grabación absolutamente excepcional.

Antonio Corradini y Sebastiano Ricci dos maestros a redescubrir.

Antonio Corradini

Endimión (1723-25)

The Metropolitan Museum of Art, N.Y.

Pocos artistas han tenido tan buena acogida en vida como Antonio Corradini (1668-1752), famoso por sus figuras veladas, un concepto inventado por él y que requiere de amplios conocimientos técnicos. Nacido ocho años después de la muerte de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), fue uno de los pocos escultores venecianos que obtendría reconocimiento en toda Europa. Sus maravillosos mármoles adornaban las cortes de Roma, Nápoles, Viena, Praga y Dresde, donde trabajó por Augusto el Fuerte, llegando a San Petersburgo, donde sus estatuas adornan los jardines del palacio de verano de Pedro el Grande. Endimión, creada alrededor de 1725, es una obra maestra desconocida hasta ahora aunque sí referenciada, y uno de los trabajos más refinados e importantes de Corradini, y puede haber sido hecho para Jardín de verano del zar. El Conde Raguzinsky, que vivió en Venecia y realizaba encargos para Pedro el Grande, elogió el dominio del oficio de Corradini llegando a denominarlo "escultor glorioso".

En Italia, en la década de 1720, el mito de Endimión estaba muy de moda. En 1721 el joven poeta Pietro Metastasio (1698-1782) compuso una serenata dedicada al joven héroe, un texto que mas tarde fue musicado por Johann Christian Bach, entre otros. En la mitología clásica Selene (diosa de la Luna), enamorado del mortal Endimión, le pidió a Zeus que lo sumiera en un sueño eterno, un sueño cargado de erotismo.

"Endimione", Ópera en dos actos, estreno 1772, Londres.
Johann Christian Bach
Libreto: Pietro Metastasio
Aria di Amore: Se s'accende in fiamme ardenti
Amore: Jörg Waschinski
Orquesta: Capella Coloniensis
Director: Bruno Weil

Como he comentado anteriormente la existencia de esta escultura es atestiguada por el barón de Montesquieu (1689-1755), filósofo y una de las figuras capitales de la cultura occidental. En una entrada en sus notas de viaje de su visita a Venecia en 1728 se lee "Actualmente hay un escultor en Venecia, llamado Corradino, un veneciano que hizo un Adonis, que es una de las obras más bellas que uno puede ver: usted juraría que el mármol es de carne, uno de sus brazos cae descuidadamente, como si careciera de soporte". Las investigaciones indican que Montesquieu se refiere probablemente a esta escultura. En primer lugar, su descripción se corresponde con ella, la suavidad naturalista que caracteriza su brillante mármol pulido y el brazo caído de forma descuidada. En segundo lugar, es fácil confundir a Endimión con Adonis, su iconografía es prácticamente idéntica: ambos son cazadores y por lo tanto se les representa acompañados de un arco, flechas y un perro. En tercer lugar, no hay ninguna escultura, que se sepa, que represente a Adonis creada por Antonio Corradini.

Antonio Canova

Endimión durmiente (1822)

Museo Gypsoteca Antonio Canova, Possagno (Italia)

Si el Endimión encargado por Pedro el Grande se quedó en el estudio del artista en Venecia, donde con toda probabilidad, fue visto por Montesquieu en 1728, puede ser debido a la muerte, en 1725, del zar. Lo cual explica que el trabajo nunca fue enviado a Rusia. Por otra parte existen indicios y coincidencias que atestiguan la importancia de esta obra. Antonio Canova (1757-1822), el gran escultor neoclásico, debió conocer el trabajo de Corradini, ya que sin duda influyó en su Endimión durmiente, ejecutado entre 1819 y 1822 para William Cavendish, sexto duque de Devonshire. Así el Endimión de Corradini, esta maravillosa escultura une dos grandes etapas de la historia del arte europeo, formando un puente entre Bernini y Canova.

Sebastiano Ricci

La victoria de David sobre Goliat

Colección Privada 

La victoria de David sobre Goliat de Sebastiano Ricci (1659-1734)es una obra maestra recientemente redescubierta, Ricci un importante pintor decorativo delantero de la escuela barroca de Veneciana. Esta conocida historia Bíblica se utiliza para simbolizar el triunfo del ideal, de la vida sobre la muerte. En esta obra inédita, la espada finamente cincelada se coloca en diagonal para dirigir la mirada del espectador y brilla en todo su esplendor, haciendo hincapié en la grandeza del objeto que no sirvió de nada frente a la inteligencia, la astucia, el coraje y la fe del joven pastor de Belén.

Nacido en el Veneto, Ricci, se traslada a Venecia con tan sólo quince años, ciudad que se ve obligado a abandonar rápidamente en 1681, tras haber dejado embarazadas a dos mujeres y envenenado a un compañero artista. Desde entonces llevó una vida itinerante, trabajando en numerosas ciudades italianas, así como Flandes, Francia y Alemania. A finales de 1711 se trasladó a Londres. Si bien son pocos los trabajo decorativos que se conserva, la Resurrección en el ábside de la capilla del Hospital Real (Chelsea) y algunos grandes lienzos sobre la escalera de Burlington House (ahora sede de la Royal Academy), su obra está está bien representada en el Royal Collection. En 1717 regresa definitivamente a Venecia.

J. S. Bach: Misa en si menor

Hans Holbein. 

El cuerpo de Cristo en la tumba, 1521. 

Kunstmuseum Basel, Basel,

Comenzamos unos días muy especiales, la Semana Santa, días cargados de significados espirituales y a la vez días cargados de música, porque nunca el ser humano fue tan prolífico y creó páginas tan bellas como aquellas que sirvieron para glorificar a Dios. En estas fechas en que la liturgia católica llama al recogimiento y a la reflexión sobre nuestras vidas y lo que hacemos con ellas, así como al hecho de lo transitorio de este mundo y la banalidad de los bienes acumulados, ya que los sudarios carecen de bolsillos, así como la esperanza en la redención y el tránsito a un mundo mejor, es cuando los compositores más se han volcado en crear páginas de una inigualable belleza que nos elevan sobre lo mundano y nos acercan a lo mejor de nosotros mismos.
..................................
¿Ves la gloria del mundo?
Es gloria vana;
nada tiene de estable,
''todo se pasa.''
..................................

 Fragmento de "Nada te turbe" de Santa Teresa de Jesús

Si hay un maestro en este arte sin lugar a dudas ese fue J. S. Bach, es imposible no sentirse cautivado por la belleza de sus obras y por el hecho de sentirnos elevados en infinitos y gloriosos acordes que nos hacen despegar de este mundo y mirar a nuestro alrededor de otra manera.

La pieza escogida tal vez sea una de las más bellas salidas de este genial compositor, La Misa en si menor, BWV 232, conocida también como Gran Misa Católica.

Monteverdi Choir 

English Baroque Soloist 

Dirección: John Eliot Gardiner.

Esta obra es una obra cargada de simbolismo en todas y cada una de sus partes, así desde el primer Kyrie de la Misa en si menor que consta de dos partes. La primera la conforman los 4 compases iniciales; la segunda consta de 122. Si sumamos 4+1+2+2 nos da como resultado el número 9, símbolo que significa la Trinidad (3x3) y así esta norma de combinación numérica y simbológica se irá repitiendo a lo largo de toda la obra como podréis descubrir en esta página: http://www.filomusica.com/J.S.Bach: Misa en si menor.

Variaciones Goldberg - Variatio 25. a 2 Clav. [Adagio]

Apodada la "perla negra" por la clavecinista y pianista Wanda Landowska, la variación 25 es apreciada por muchos como las más bella e impresionante de la obra en su conjunto. Williams escribe de ella que "la belleza y oscura pasión de esta variación la convierten incuestionablemente en el punto emocionalmente más alto de toda la obra", y Gould observa que "la aparición de esta nostálgica y fatigada cantilena, es un golpe maestro de psicología."

Las "Variaciones Goldberg" es una obra que sobrepasa el mito, casi una leyenda que ha sobrevolado el tiempo sin perder un ápice de su gloriosa áurea. Y parte de ese carácter mítico nace con Johann Nikolaus Forkel, biógrafo de Bach, el cual nos cuenta en una de las primeras biografías del compositor que las "Variaciones" fueron un encargo del conde Hermann Carl von Keyserling de Dresde para que el clavecinista de la corte Johann Gottlieb Goldberg, de quien tomaran el nombre, las interpretase durante las noches de insomnio del aristócrata, verdad o mentira, lo que sí podemos afirmar es ¡Bendito insomnio!

Portada de la primera edición de las Variaciones Goldberg, publicada en Núremberg en 1742.

"Preparada para el placer y la alegría de los amantes de la música por Johann Sebastian Bach, compositor de la corte para el rey de Polonia y gobernador de Saechs, Capellmaister y Directore Chori Musici en Leipzig"

 

Ver también: Gould’s Own Liner Notes from the 1955 Release of the Goldberg Variations

 

 

La Nativitas de Juan Bautista Maíno

Adoración de los pastores, Fray Juan Bautista Maino, 1612 ( Museo del Prado )

2:9 Se les presentó el Ángel del Señor, y la gloria del Señor los envolvió en su luz; y se llenaron de temor.

2:10 El ángel les dijo: "No temáis, pues os anuncio una gran alegría, que lo será para todo el pueblo:

2:11 os ha nacido hoy, en la ciudad de David, un salvador, que es el Cristo Señor;

2:12 y esto os servirá de señal: encontraréis un niño envuelto en pañales y acostado en un pesebre."

Lucas 2: 9-12

Juan Bautista Maíno realizó ambos cuadros, la Adoración de los pastores junto a la Adoración de los Magos, para la iglesia de San Pedro Mártir, en Toledo, ciudad para la cual trabajó frecuentemente. Unas composiciones abigarradas, con una preponderancia del naturalismo tenebrista. Los personajes son representados de la manera más realista posible, pudiendo decirse que en el caso de la "Adoración de los pastores", los ángeles que aparecen entre las nubes son chicos de pueblo que el pintor utilizó como modelos. El primer plano, con la ofrenda de los pastores, ofreció a Maíno la oportunidad de regalarnos un precioso bodegón.

Adoración de los Magos, Fray Juan Bautista Maino, 1612 ( Museo del Prado )

"Entraron en la casa; vieron al niño con María su madre y, postrándose, le adoraron; abrieron luego sus cofres y le ofrecieron dones de oro, incienso y mirra."

Mateo 2: 1-11

En la Adoración de los Magos, nos regala un colorido intenso brillante y de gran riqueza. La aglomerada composición con varias figuras de gran tamaño en un espacio reducido y tanto las poses como los gestos de las diferentes figuras dotan al lienzo de un gran dinamismo. Remarcable es el tratamiento del Rey Baltasar, el cual queda perfectamente plasmado como una persona de origen africano.

El "Oratorio de Navidad" de Johan Sebastian Bach" consta de seis cantatas, una dos horas y 20 minutos aproximadamente de música gloriosa, jubilosa y llena de ternura, este es el primer movimiento de los nueve que consta la primera parte.

Johann Sebastian Bach (1685-1750): CONCERTOS

Julia Fischer, violín
Alexander Sitkovetsky, violín II [en BWV 1043]
Andrey Rubtsov, oboe [en BWV 1060]
Academy of St. Martin in the Fields

1. Concierto para dos violines, cuerdas y continuo en re menor BWV 1043
2. Concierto para violín, cuerdas y continuo en la menor BWV 1041
3. Concierto para violín, cuerdas y continuo en mi mayor BWV 1042
4. Concierto para oboe, violín, cuerdas y continuo en do menor BWV 1060

Vía: El martillo sin Dueño

Tadzio o la belleza

Foto: Marcel.lí Sáenz

FICHA ARTÍSTICA

Título: Death in Venice

Dirección de escena: Willy Decker
Escenografía: Wolfgang Gussmann
Vestuario: Wolfgang Gussmann
Iluminación: Hans Toelstede
Coreógrafo: Athol Farmer
Nueva Coproducción: Gran Teatre Liceu / Teatro Real
Direcció musical: Sebastian Weigle
Gustav von Aschenbach: Hans Schöpflin
The Traveller, etc.: Scott Hendricks
Voice of Apollo: Carlos Mena
English Clerk in the travelbureau: Leigh Melrose
Guide in Venice: Leigh Melrose
Tadzio: Uli Kirsch
Beggar Woman: Claudia Schneider
Hotel Porter: Josep Ruiz
Lace seller: Fabiola Masino
Restaurant waiter: Enric Martínez-Castignani
Strawberry seller / Newspaper seller: Begoña Alberdi

Muerte en Venecia, el conocido drama de Thomas Man desembarca en Barcelona por partida doble, descubriéndonos nuevas músicas, ya no sólo las maravillosas partituras de Gustav Mahler, correspondientes a las sinfonías 3ª y 5ª, utilizadas por Luchino Visconti en su película, músicas que se nos han enganchado como una segunda piel y que a priori parecen imposibles de alejar de nuestra memoria. Pero que el montaje presentado en el Liceo ha logrado que olvidemos, en una puesta en escena impecable, moviéndonos entre lo real y lo onírico. Una cerrada ovación acabó rubricando un éxito sin paliativos.

Foto: Marcel.lí Sáenz

Ahora podemos descubrir nuevas músicas para adornar esta pasión, la pasión del maduro profesor, Gustav von Aschenbach, por el joven Adonis de cabellos dorados y mirada tan luminosa como turbia, una historia eterna y fascinante a la que Britten puso música creando la Ópera más extraña que se haya compuesto, y que sería su última obra, una Ópera basada en un monólogo, un monólogo interior del profesor Aschenbach (Hans Schöpflin), frente a un Tadzio que es como una sombra etérea, carente de diálogo, tal vez la mejor manera de expresar el sentido del deseo en una obra en la que la danza cobra un especial protagonismo, ya que Tadzio es representado por un bailarín (Uli Kirsh).
La Ópera se estrenó en 1973 en el festival de Aldeburg, siendo interpretada por el tenor Peter Pears, el que fuera compañero de casi cuarenta años, y a quien había dedicado la obra.
De esta obra su compositor dijo:

"Muerte en Venecia es todo lo que Peter y yo mismo hemos defendido"

John Neumeier "Death in Venice"

Hamburg Ballett - John Neumeier

TOD IN VENEDIG
Muerte en Venecia

Música: Johann Sebastian Bach y Richard Wagner
Coreografía: John Neumeier
Escenografía: Peter Schmidt
Vestuario: John Neumeier y Peter Schmidt
Iluminación: John Neumeier
Solista: Elizabeth Cooper, piano

Y como si de una continuación se tratase Tadzio danza de nuevo, esta vez a las órdenes de John Neumeier, y con música de Bach y Wagner, para contarnos esta visión de Muerte en Venecia "Una danza macabra", ya que en esta historia no podemos obviar el presente elemento de la muerte, amor nacido en los estertores de una ciudad, Venecia, acosada por la peste, amor, deseo, pasión y muerte adornando la belleza del efébico muchacho como último estertor de vida y luminosidad de su admirador.

John Neumeier "Death in Venice"

Danzarán juntos pero en mundos diferentes el ordenado e intelectual mundo del profesor se vestirá de Bach, mientras la carnalidad de Tadzio y sus amigos danzará al ritmo de Wagner, en una danza que llevará al fatal desenlace.

Un desenlace fatal que ha tenido su continuidad en la vida real, ya que su protagonista en la versión fílmica, dirigida por Luchino Visconti, Björn Andresen quedó marcado para siempre por la interpretación de este papel, su vida rondaría el desastre incapaz de huir de la sombra de Tadzio, como si de una maldición se tratase.


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Homenaje a Luchino Visconti
Benjamin Britten

Puso su Morada entre Nosotros

Giotto di Bondone (Cappella Scrovegni, Padua)

Y la Palabra se hizo carne, y puso su Morada entre nosotros, y hemos contemplado su gloria, gloria que recibe del Padre como Hijo único, lleno de gracia y de verdad.

Juan 1.14

Jessye Norman at Notre Dame. Ave María de Charles Gounod.

Colaboración de Vulcano Lover El Ave Maria de Gounod es maravilloso, entre otras cosas porque Gounod lo único que hizo fue crear una melodía sobre el contínuo del primer número del clave bien temperado de Bach (y se nota que eso en el fondo es puro Bach puro)