Picasso y el Románico

Crucifixión de Sorpe

Maestro de Sorpe. Mediados del s. XII. 

M.N.A.C.

"Pasando de una sala a la otra, Picasso, ante aquellos fragmentos incomparables del arte primitivo catalán, admiraba la fuerza, la intensidad y el oficio, la seguridad de visión y ejecución, el aplomo y la convicción con que la mano del artista ignorado había expresado en aquellos lienzos de pared las ideas y los sentimientos que ocupaban su espíritu, y convenía sin vacilar que nuestro Museo románico será una cosa única al mundo, documento imprescindible para los que quieran conocer los orígenes del arte occidental, lección inapreciable para los modernos".

Virgen de Góssol. Segunda mitad del s. XII

M.N.A.C.

Primitivismos

El año 1906 –y por descontado, el 1907– es una fecha clave en el posicionamiento de Picasso respecto a la vanguardia internacional, donde confluyen el interés por el arte primitivo con su viaje en Gósol. Aquel año se produce una reacción contra el llamado periodo rosa de los años anteriores, que él calificaba de «sentimental», en paralelo a una pérdida de narrativa de las composiciones. Se impondrá un nuevo lenguaje pictórico que eludirá la imitación del modelo, de gran simplificación formal, caracterizado por la frontalidad y el hieratismo.

Pablo Picasso

Rostro-máscara de Josep Fontdevila. Gósol, 1906. 

Musée National Picasso - París

Pablo Picasso

Fernande con mantilla blanca. Gósol, 1906. 

Musée National Picasso - París

Pablo Picasso

Busto de hombre (estudio para Les Demoiselles d’Avignon). París, 1907. 

Musée National Picasso - París

Pablo Picasso

Pequeño desnudo sentado, París, 1907. 

Musée National Picasso - París

Cerámica decorada con un desnudo femenino Vallauris, 18 de septiembre de 1950

Cerámica decorada con un busto de hombre con jersey a rayas Vallauris, 23 de septiembre de 1950. Musée National Picasso - Paris

En este camino hacia una nueva modernidad, en Gósol trabajó sobre la mascarizació de los rostros, que lograría uno de los puntos culminantes con Les Demoiselles d'Avignon, que realizaría en 1907.

 

En este ámbito se pueden ver varios autorretratos de Picasso, así como retratos de su pareja Fernande Olivier, uno de ellos llevado a cabo en Gósol. Algunas soluciones de este momento se reproducirán en composiciones de periodos posteriores, a partir de las técnicas más diversas.

Descendimiento de Santa Maria de Taüll. 

Segunda mitad del s. XI, s. XIII. 

MNAC

Crucifixiones

El joven Picasso nació en un entorno fuertemente impregnado por una cosmovisión religiosa. La violencia inherente a las crucifixiones y a las decapitaciones se hace patente en determinados momentos de la creación picassiana, escenas también presentes en la iconografía medieval. La primera crucifixión aparece en su obra con solo doce años, en La Coruña, y resurgirá puntualmente en diferentes momentos, entre los cuales destaca una serie de dibujos de 1932, inspirados en la crucifixión del retablo de Isenheim de Grünewald. La figura de Cristo crucificado se convierte en los últimos dibujos en un conjunto de huesos concatenados, una iconografía muy representativa del periodo surrealista del artista.

 

Aunque no se pueda hablar de ningún tipo de influencia directa ni indirecta, es impresionante comprobar como estas crucifixiones [des]articuladas de Picasso se relacionan con las crucifixiones articuladas del románico. Estas alteraciones fisionómicas, con el efecto de trasladar la convulsión de los cuerpos, se hacen más explícitas todavía a las escenas de decapitación, de gran violencia visual.

Pablo Picasso

Crucifixió, Boisgeloup, 19 de septiembre de 1932

Paris, Musée National Picasso

Pablo Picasso

Crucifixión, Boisgeloup, 4 de octubre de 1932

Paris, Musée National Picasso

Rostros

La distorsión de la figura humana, sobre todo en el tratamiento de los rostros, es una constante de Picasso y posee diversas variantes. Logra uno de los momentos álgidos durante la Segunda Guerra Mundial, durante su exilio en la localidad francesa de Royan, cuando el rostro de su pareja Dora Maar se convierte en un campo de pruebas donde los elementos faciales se distribuyen aleatoriamente a la vez que mantienen una unidad. Más allá de la eventualidad de la guerra, esta cosificación de la figura humana se advierte en otros periodos de su creación, reproduciendo un modelo que consiste a convertir cuerpos humanos en entidades inorgánicas, y viceversa.

Pablo Picasso

Cabeza sobre un fondo rojo. París, 2 de febrero de 1930. 

Musée National Picasso-París

Pablo Picasso

Rostro, 1934

Musée national Picasso-París

Pablo Picasso

Máscara, 1934. 

Musée National Picasso-París

Pablo Picasso

Estudio para una Cabeza de Mujer. Cannes, 13 de junio de 1957

Musée National Picasso-París

Cráneos

La muerte es uno de los grandes temas transversales de la obra picassiana, presente desde sus inicios hasta los últimos autorretratos, en que se muestra como una calavera. Pero la presencia simbólica de la muerte en su obra se despliega mediante diversas variantes: como evocación de la pérdida, como presentimiento de futuro o directamente como realidad vivida. A menudo veiculada a través de cráneos, humanos o animales, y máscaras.

Pablo Picasso

El beso, 30 de diciembre de 1943

Musée National Picasso-París

Pablo Picasso

Cráneos, París 19 de marzo de 1945

Musée National Picasso-París

Pablo Picasso

Vanitas, 1946 

Musée national Picasso-Paris

En 1945 realizará un conjunto de bodegones protagonizados por calaveras, que ya no son vanitas sino el resultado de una reflexión íntima sobre la situación de la guerra. Esta iconografía se reproducirá en otros periodos y a partir de diferentes técnicas, con resultados sorprendentes en cuanto a la escultura. Picasso reduce las formas a la mínima expresión, a partir de signos e incisiones que transmiten una gran potencia simbólica. Algunos cráneos románicos entran en misteriosas resonancias con el cráneos picassianos.

Nota: Textos extraídos del dossier de prensa de la exposición "Picasso - Romànic",  MNAC (Barcelona)

+Información:

http://www.museunacional.cat/ca/picasso-romanic