Vintage Posado

Una auténtica y bella rareza fotográfica debido a la pose del modelo, más escultural que fotográfica, algo que era bastante inusual para este tipo de tomas.

Vía: Front Free Endpaper

Philippe Jaroussky

Hace ya tiempo dediqué una entrada al contratenor Andreas Scholl, la cual me sirvió para hablar de los castrati y como gracias a los contratenores hoy en día podemos disfrutar del sonido casi original de ciertas piezas musicales que de otra forma quedarían muy desvirtuadas.
Y ahora con Philippe Jaroussky nos enfrentamos a una voz absolutamente diferente, según la crítica sus cualidades vocales, difíciles de encajar y más cercanas a la tesitura de una mezosoprano, son las que más se asemejan a las cualidades vocales que debieron tener los castrati, sea o no sea verdad, escuchar a Jaroussky es todo un placer para los sentidos.

Trailer del álbum de Jaroussky "Carestini, the story of a castrato", en colaboración con Emmanuelle Haïm y Le Concert d'Astrée.

"Je chante dans la même tessiture qu’une soprane ou mezzo-soprane, c’est-à-dire, une voix de femme. Le contre-ténor est une voix qui a existé par le passé et a qui été abondamment employée avant l’époque des castrats (XVII-XVIIIe siècles). Puis elle a été remplacée, un temps, pour des raisons physiologiquement évidentes, par ces castrats possédant des potentialités vocales supérieures. Elle est enfin réapparue dans la seconde moitié du XXe, avec des artistes comme Alfred Deller ou Russel Oberlin, qui ont exhumé le répertoire de musique ancienne attaché à cette voix. Cette voix suscitant un enthousiasme grandissant auprès du public et des interprètes, on a fini par chanter le répertoire des castrats eux-mêmes avec cette voix. La voix de contre-ténor, telle que je la pratique donc aujourd’hui dans mon répertoire (Haendel, Scarlatti…), est en quelque sorte une aberration historique puisque j’interprète en grande partie un répertoire qui n’a pas été écrit pour moi, mais pour castrat. La voix de contre-ténor est réapparue il y a tout juste un demi-siècle, mais elle bénéficie surtout aujourd’hui, depuis une dizaine d’années seulement, d’un véritable terrain d’expression avec la tendance actuelle à remonter des opéras baroques un peu partout et jusque sur les plus grandes scènes internationales."

Philippe Jaroussky

+ Información
http://www.philippejaroussky.fr/

http://elamantedelvolcan.blogspot.com/2010/01/la-dolce-fiamma.html

des dels meus ulls....: Philippe Jaroussky

La Mirada de Chema Madoz

Chema Madoz por Paco Sánchez

Chema Madoz (Madrid, 1958), Premio Nacional de Fotografía en el año 2000. Amante del blanco y negro.

"Con el color siempre puedes datar una imagen, pero el blanco y negro es más intemporal. Además, es una reelaboración de la realidad. Al carecer de color, las imágenes pertenecen a un territorio distinto que tiene que ver más con lo imaginario"

Chema Madoz

su obra se mueve entre la poesía el diseño y la escultura bebiendo en las fuentes del vanguardismo de principios del siglo XX, surrealismo, dadaismo para lograr emocionarnos con imágenes conseguidas a base de lúcidos juegos de imaginación.






No son meros objetos que estaban ahí, ya que son modificaciones de la realidad, objetos desnudos, descontextualizados y de una cotidianidad aplastante que cobran una nueva fuerza expresiva gracias a la lente de Chema Madoz lo cual aleja su trabajo del mero bodegón para transportarnos a oto mundo.

"André Kertesz o Duane Michals marcaron mis inicios. Me ayudaron a ver que con la fotografía se podía hacer algo distinto a lo que yo entendía hasta ese momento."

Chema Madoz

+ Información

http://www.chemamadoz.com/
http://www.phedigital.com/Chema Madoz: "La fotografía me hace disfrutar"

Ana María Matute, la magia de una escritora

Tras María Zambrano (1988) y Dulce María Loynaz (1992), Ana María Matute se convierte en la tercera mujer que consigue el máximo galardón de las letras castellanas, y único que le faltaba por conseguir, El Cervantes. "Desde mi primer cuento he querido comunicar la misma sensación de desánimo y pérdida; vivir es perder cosas, también", una escritora que sigue escribiendo, aunque "nunca sé qué y cuándo saldrá; no se sabe lo que puede durar un libro; es un misterio; la vida es mágica y esto de escribir, también".

A sus 85 años esta mujer tocada por las hadas sigue manteniendo el empuje y la ilusión de su niñez, creando mundos en los que lo fantástico se funde con la realidad como expresión su gran mundo interior.

Ana María Matute Página Oficial

"Los Viajes de Gulliver" según Guillermo Pérez Villalta

"Cada imagen está concebida de antemano. Desde luego, no iba a sentarme a ver qué salía, sino que leía un capítulo, me lo imaginaba, y me iba quedando con las imágenes que más me habían impactado. Procuré adaptarme realmente al texto, porque creo que las ilustraciones tienen el deber de recordarte el texto una vez que lo has leído"

Guillermo Pérez Villalta

Tras haber ilustrado obras como "La Odisea" y "El Faetón" del Conde de Villamediana, para la editorial Turner, Pérez Villalta crea las ilustraciones para el clásico relato de Jonathan Swift "Los viajes de Gulliver" editado por Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores en los que regresa a una época con la que se siente muy identificado, la Ilustración.





+ Información:

http://www.galaxiagutenberg.com/

The recurrent pose por John Coulthart

"The recurrent pose" es una sección fija dentro del blog Feuilleton de John Coulthart, en la que minuciosamente va recogiendo y analizando la influencia de una obra tan icónica como "Jeune homme assis au bord de la mer" de Jean Hippolyte Flandrin (1809-1864), pintor Neo Clásico que no lograría alcanzar el virtuosismo ni la sensualidad de su maestro, Ingres, pero que si creó una obra que ha sido una inspiración para multitud de pintores y fotógrafos posteriores.

Alexxander

John Coulthart

F. Holland Day

+Información:

http://www.johncoulthart.com/feuilleton/

"Die Dunkelheit sinkt schwer wie Blei" Franz Schreker

Die Dunkelheit sinkt schwer wie Blei, perteneciente a Fünf Gesänge für Alt, compuesta en 1909 por Franz Schreker (23 March, 1878 - 21 March, 1934).

Texto: Edith Ronsperger

Die Dunkelheit sinkt schwer wie Blei,
in totem grauen Einerlei
ersterben Farbe und Gestalt.
Das müde Schweigen stört kein Laut
gleich einer schwarzen Mauer baut
zum Himmel sich der Wald.

In öde Leere riesengroß
streckt sich mein Leben hoffnungslos.
Es weht so dumpf und grabeskalt
der Atem dieser Nacht mich an,
ein Grauen kriecht an mich heran,
o schlief' ich, schlief ich bald.

Edith Ronsperger

La oscuridad desciende pesadamente como el plomo,
en grises moribundos el amanecer
es coloreado y formado.
Ningún sonido perturba el silencio de muerte,
el bosque es como un muro negro
construidos para el mismo cielo.

En el inmenso vacío desolado
mi vida se alarga sin esperanza.
Tan vacío y frío como la tumba
sopla el hálito de esta noche sobre mí,
qué temor me atenaza,
o tengo que dormir, voy a dormir pronto.

Edith Ronsperger

Los cuerpos maleables de Alex Francés

"Marsupio" Barros (2001)

Alex Francés (Valencia, 1962) Licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia.

El cuerpo como elemento plástico, este fotógrafo nos invita a reflexionar acerca de los cambios físicos, el paso del tiempo y la representación misma de nuestro cuerpo, y como este se va trasformando y modelando a través del contacto con lo que nos rodea, una transformación tanto externa, aquello que nos es obvio, como interna. Con lo cual el cuerpo no es un mero soporte sino que actúa como soporte maleable y como idea que trasciende lo meramente visual.

"Cuero penetrable" Barros (2001)

"Manos apropiadas" Lucha (2001)

"Herencia de carne" Barros (2001)

"Materia penetrable" Barros (2001)

"El cuerpo en su doble vertiente de envoltura externa y sustancia interna se convierte en el elemento fundamental que se expone, mostrándose sobre todo en su carnalidad, en una materia viva que se manipula, se cubre o se ata para por medio de ello dejar entrever la emoción interior"

María José Pérez Jiménez

"Ojos vueltos" Lucha (2001)

+Información:

http://www.alexfrances.es/

Torsos - Sex Parts por Andy Warhol (1977)

Pocas veces tenemos la posibilidad de saber de forma pormenorizada como nace un proyecto, no es el caso de la Serie Torso de Andy Warhol. La Serie Torso eran pinturas, mientras que Sex Parts fueron grabados. Según explica Víctor Bockris, Sex Parts nunca llegó a exhibirse, no obstante aparecen en la película de Richard Gere American Gigolo colgadas en el salón del camello.


Bob Colacello:

"Eran las once y media de una primaveral mañana de 1977, cuando llegué a la oficina con una terrible resaca de la noche anterior producto del bombardeo con vodka, cocaína y metaqualona, por lo que no veía las cosas. Se trata de unas Polaroids en las que un brazo peludo tapaba un ano peludo perfectamente ordenadas en la parte superior de mi escritorio ... Andy lo había vuelto a hacer: fotografiar los actos sexuales entre chaperos y chicos de la calle organizados por Víctor Hugo, el amigo de Halston. Todo por amor al arte, por supuesto : Era la Serie torso, como se dio en llamar a las pinturas y fotografías ...


No era la primera vez que Andy había dejado secar el resultado de sus Polaroids sobre orgías en mi oficina, pero yo quería que fuera la última. Cuando Andy llegó una hora después le expresé lo que pensaba:

"Se supone que voy a tener una reunión de publicidad con estas pollas aquí, sobre mi escritorio? ¿Qué pasa con todas las chicas que trabajan aquí?

Andy se quedó perplejo. "Diles que es arte, Bob'..."





Walter Steding, quien fue compañero de habitación Ronnie Cutrone y al igual que Ronnie, también trabajó como ayudante de Warhol, describió su relación con Sex Parts:

"Alguien vino diciendo que había una gran polla de verdad. A lo que Andy contestó: Bueno, vamos a tomar una foto de ella, y luego las fotos llegaron a mí como la persona que tenía que ponerlos en alguna parte. Escribí sobre la caja Sex Parts, tras lo cual Andy hizo toda un conjunto de grabados llamados Sex Parts, simplemente porque lo vio escrito en la caja. Tomaba fotos durante un período de un par de horas de dos hombres enrollados. Tenía una 35 mm, tan buena como una Polaroid. Yo estaba allí ... Por lo que no creo que estas situaciones le excitaran. Andy separaba los asuntos sexuales de los profesionales, En sus creaciones artísticas sólo se permitió ser espectador..."





Sobre el mismo asunto Ronnie Cutrone, el otro ayudante de Warhol, recuerda su participación junto a Víctor Hugo:



"Víctor Hugo ... en esos días contrataba gente en los baños en esos días. Estuve allí durante todas las fotografías pero no para la contratación. La coreografía fue, básicamente, desnudate y ponte cómodo. Andy era muy tímido, un voyeur tímido voyeur. Fue como, ¡Oh, oh, oh, eso es tan grande!. Oh, ¿qué puede hacer? ¡Oh, qué grande!. Chico, me pregunto cómo se vería metido ahí ?... Era tan extraño y tan inocente al mismo tiempo - al igual que la sexualidad de Andy. Fue un periodo en que ya había chicos en la Factory y me hubiera gustado traer chicas para mear sobre las pinturas oxidadas. Habría chicos chupándose y follando y Andy fotografiandolos. Más tarde, eufemisticamente las denominaría Torsos. Brigid Berlin era la encargada de apretar las tuercas. Brígid podía pasar de ser la persona más loca del mundo a una conservadora total, de derecha reaganiana y homófoba en cuestión de cuatro segundos y luego de vuelta a un locura total. "

+Información:

http://www.warholstars.org/index.html

Bruce Nauman matemáticas y neón

Bruce Nauman, Autorretrato como una fuente (1966)

Bruce Nauman, artista estadounidense, nació en 1941 en Fort Wayne (California). Empezó estudiando matemáticas, física y arte en la University of Wisconsin (1961). Nauman juega con el arte conceptual y en particular con el body art. A lo largo de su trayectoria ha realizado numerosas esculturas, performances, obras gráficas y vídeos. Su trabajo trata sobre una reflexión del comportamiento del cuerpo, siendo el arte el proceso de una experiencia vivida en el presente por el artista, el espectador o por un tercero. Desde 1966 emplea con regularidad el neón, como contrapunto lingüístico a las piezas escultóricas.

Window or Wall Sign, 1967

Violins, Violence, Silence (1981-1982)

One Hundred Live and Die (1984)

Mean Clown Welcome, 1985

Sex and Death/Double "69", 1985

Sex and death, 1985

+ Información:

http://www.frieze.com/issue/article/hear_here/
http://www.speronewestwater.com/
http://www.vdb.org/smackn.acgi$artistdetail?NAUMANB

La sacralidad artística de Miguel Ángel Rojas

"Considero el arte como un sitio sacro, donde el artista ubica lo que le parece digno de ser 're-visto'. Esa es la función del arte, aparte de lo ético. Aunque me interesa mucho lo ético, pensar y procesar ideas, que renueven una mejor comprensión de la vida. Esa es la única función del arte".

Miguel Ángel Rojas

Uno de los artistas colombianos más importantes del siglo. Rojas (Bogotá, 1946) ha trabajado todos los medios; dibujo, fotografía, grabado, vídeo, pintura. Ha realizado importantes y significativos trabajos sobre la marginalidad, la intimidad, lo público y lo privado y ha investigado con todas las técnicas instalaciones de arte efímero, relacionadas con el cuerpo y la memoria, lo étnico y religioso.

"Aparte de su actitud alerta a las definiciones intelectuales del arte, su obra hace gala de profundos contenidos humanistas y sociales. Su trabajo se refiere, por ejemplo, a la problemática de grupos minoritarios, como los indígenas y los homosexuales y hace énfasis sobre la identidad cultural de los colombianos y de los latinoamericanos en general."

Eduardo Serrano Rueda (historiador y crítico de arte)

Objetivo Subjetivo reúne en 70 obras, su trabajo a partir de los años 70, cuando realizaba fotografías en el Teatro Faenza que mostraban la intimidad de encuentros homosexuales ocasionales; un mundo entonces mirado con desdén.

"Lo marginal es parte de haberme sentido diferente por etnia, orientación sexual y ubicación social, esas diferencias me situaron al margen afortunadamente, pues ese es mi fuerte, mi fuerza. Manifiesto lo marginal porque me opongo al racismo, a la falta de oportunidades y la necesidad de integrar lo marginal al desarrollo."

Miguel Ángel Rojo

También incluye las reducciones fotográficas donde realiza experimentaciones con la fotografía y dos instalaciones significativas en su trayectoria, Grano y Territorios esta última elaborada como un enorme tapiz con hojas de coca que asemejan la visión aérea de una zona selvática. Dice Rojas que esta obra es una gran escenografía, un autorretrato tridimensional, que le gustaría continuar ampliando a dimensiones mayores.

"Lo Latinoamericano está en toda mi obra, pues trabajo la realidad de mi entorno. Lo mío es más conceptual, un pensamiento direccionado, pues no busco el carácter folclorista, ni el sello latinoamericano, aunque si está presente en toda mi obra, como el tema de la naturaleza y el indigenismo."



El David de Miguel Ángel Rojas es una secuencia de doce fotografías de dos metros de alto que posee todos los atributos de la belleza que desde los griegos pasando por el Renacimiento han conformado la cultura occidental. La perfección de su cuerpo, y el manejo de la luz aluden a esa perfección de belleza que representa el David de Miguel Ángel. Pero este David, el David de Rojas dialoga en su belleza con la ruina, es una historia sobre el deterioro ya que le falta parte de una pierna.


La belleza perfecta degradada en un mundo que violenta continuamente al ser humano, un mundo que ha perdido sus valores, una reflexión sobre el mundo actual.

+Información:

http://www.sicardi.com/Artists/profile.cfm?artistid=130
http://salonkritik.net/Miguel Ángel Rojas.php
http://lugaradudas.org/publicaciones/vitrina_miguel_angel_rojas.pdf